Cine y Cultura Digital: De la Pantalla Global a la Innovación Transmedia

El cine no solo entretiene, también funciona como un medio de construcción y difusión de discursos políticos. A través de la narrativa audiovisual, las películas moldean percepciones colectivas, legitiman ideologías y ofrecen una ventana crítica para comprender las dinámicas de poder. En este sentido, hablar de comunicación política en el cine implica reconocer cómo las historias proyectadas en pantalla se convierten en vehículos de persuasión, propaganda o denuncia.

Un ejemplo clásico es El gran dictador (1940) de Charles Chaplin, que utiliza la sátira como arma contra el nazismo. Chaplin construyó un discurso político a través del humor, denunciando la intolerancia y el autoritarismo en un momento en que gran parte del mundo aún dudaba en confrontar a Hitler. El famoso discurso final del barbero judío constituye un acto de comunicación política directa, apelando a la esperanza y a la fraternidad universal. Aquí, la película trasciende el entretenimiento para convertirse en manifiesto ideológico.

En un registro distinto, Todos los hombres del presidente (1976) muestra cómo la investigación periodística y el cine pueden coincidir en su función de contrapeso al poder. La película reconstruye el caso Watergate, destacando la relevancia de la transparencia y la rendición de cuentas en la vida democrática. Su narrativa hace visible el rol de los medios como actores políticos, capaces de moldear la opinión pública y exigir responsabilidades a los gobernantes.

Otro ejemplo significativo es La dictadura perfecta (2014) de Luis Estrada, que evidencia el vínculo entre medios de comunicación, corrupción y manipulación en la política mexicana. A través de la sátira, la película retrata cómo la televisión puede funcionar como instrumento propagandístico, creando “realidades alternativas” que favorecen a ciertos grupos de poder. Estrada utiliza el lenguaje audiovisual para desenmascarar la manera en que la comunicación política puede convertirse en un espectáculo mediático.

En conjunto, estas películas ilustran que la comunicación política en el cine adopta múltiples formas: desde la propaganda directa hasta la crítica mordaz y la reflexión histórica. Al presentar líderes, instituciones y discursos, las películas no solo reflejan el contexto político en el que fueron creadas, sino que también influyen en la manera en que las sociedades interpretan su presente y proyectan su futuro. Por ello, el cine sigue siendo una herramienta central en el análisis de cómo se construyen y disputan los significados en el espacio público.

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Mi crítica en Reforma de Autos, Mota y Rocanrol: https://www.reforma.com/autos-mota-y-rocanrol-avandaro-detras-de-camaras/ar3070502

Mi crítica en Reforma de El Gran Viaje de tu Vida: https://www.reforma.com/el-gran-viaje-de-tu-vida-una-comedia-romantica-diferente/ar3074184

Estás viendo y no ves: la gran diferencia entre economía y ecología de la atención.

Notas sobre violencia y niñez en el cine mexicano

Creatividad, IA y autoría: el caso del doblaje en México.

Adriana Fernández Rodríguez Macedo

Empieza el otoño y con él, la temporada festivalera. Por aquí pondré qué fue lo que más me gustó del pasado Festival Internacional de Cine de Morelia. En primera instancia está la cinta brasileña El Agente Secreto de Kleber Mendoza, que nos lleva al Brasil de los años 70 y que habla sobre un hombre llamado Marcelo, quien huye de un tipo poderoso que lo odia.

Lo mejor que tiene la película es el retrato tan fascinante que hace de Brasil, un país verdaderamente diferente y excéntrico, capturando todas esas pequeñas idiosincrasias que colorean al país. Cual pastel multihojas hace un estudio desde dentro de las clases sociales, cuestiones raciales. Wagner Moura actúa muy bien. Es una película bizarra.

Otra cinta que vi, que todavía estoy decidiendo si me gustó o no, es la de Bugonia de Yorgos Lanthimos, que nos habla de unos apicultores que están convencidos que los aliens viven entre nosotros y quieren exterminarnos.

Muy a su estilo, el director hace una sátira del sistema político, económico y social. Es buena la actuación de Emma Stone, pero sobre todo de Jesse Plemons, quien se lleva la película. Pero sigo indecisa porque siento que el odio que Yorgos generalmente siente por sus personajes, se ha incrementado. Es interesante eso sí.

Pero mi favorita fue una cinta española que ganó el Premio del Jurado este 2025 en Cannes, la cinta Sirat de Oliver Laxe, que nos cuenta sobre un hombre que está buscando a su hija en un rave en Marruecos. Un filme absolutamente impactante en todos sentidos, visual, auditivo, hasta táctil. Una experiencia para ver en el cine sí o sí.

Ya platicaremos más a detalle de las películas en cuanto estrenen. Pero la verdad es que el festival internacional de cine de Morelia, que cumplió 23 años confirma ser una experiencia inigualable y tener una de las mejores programaciones en festivales, no sólo en México, sino en el mundo.

Mi crítica en Reforma de La Máquina: The Smashing Machine: https://www.reforma.com/the-smashing-machine-gran-actuacion-de-la-roca/ar3085944

Mi crítica en Reforma de Teléfono Negro 2: https://www.reforma.com/telefono-negro-2-mas-detalles-mas-dialogos-mas-terror/ar3090007

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Notas sobre violencia y niñez en el cine mexicano

Creatividad, IA y autoría: el caso del doblaje en México.

Dra. Adriana Fernández Rodríguez Macedo

A principios de este mes tuve una oportunidad invaluable: poder asistir como oradora invitada al 3rd International Film Criticism Conference, evento auspiciado por la Comisión de Cine Saudí. El tema era “Cinema: the Art of Place” y el tema de mi conferencia fue “Reimagining Mexico City: Urban Transformations on Screen, from the Golden Age to Global Cinema”

Si bien el traslado fue laborioso -tardé alrededor de 48 horas en llegar- quedé muy sorprendida con el país y la capital, Riad.

Riad es una ciudad en pleno crecimiento: por todos lados se ven edificios nuevos y en construcción. Las avenidas son amplias y modernas, con bastante tráfico en las horas pico. Me sorprendió saber que la habitan 9 millones de personas, casi la tercera parte de la población.

El hotel en el que nos hospedamos era un Le Meridien, cómodo y bonito, muy occidental, excepto porque las mujeres de la recepción portaban sus hiyabs y abayas (pañuelo en la cabeza y túnica) y algunos hombres el thobe (túnica larga).

El atractivo y moderno Palacio Cultural, donde se llevó a cabo el congreso, está dentro del área internacional donde se encuentran las embajadas. Hay doble seguridad y calles arboladas. Vemos un café muy occidental… excepto que los hombres visten sus thobes blancos y sus ghutra (pañuelos) de cuadritos rojos (típico de Arabia Saudita) y las mujeres con sus abayas aunque ya no siempre negros, y muchas ya van con el pelo suelto.

La inauguración fue un viernes por la noche, después de los rezos de la mañana. Dio unas palabras Abdullah bin Nasser Al Eyaf Al-Qahtani, CEO de la Comisión de Cine Saudí.

Los días siguientes colegas de FIPRESCI de todas partes del mundo hablaron sobre cine como el arte del espacio, aportando con un enfoque local. Esto hizo increíblemente rica la experiencia, pues aprendimos del cine de Georgia, Italia, Bangladesh, Kazajistán, Sudáfrica y por supuesto, Arabia Saudita. También de directores: desde Bertolucci hasta Miguel Gomes.

En mi charla, hablé sobre cómo la Ciudad de México ha pasado de telón de fondo a protagonista. De idealización rural de la periferia en María Candelaria (Fernández, 1944), pasando por escenario de los filmes policiacos de los 40, hasta la idealización del barrio como refugio de Nosotros Los Pobres (Rodríguez, 1948). Pero también la cara oscura e inmisericorde que Buñuel retrata en Los olvidados (Buñuel, 1950); y cómo esta inclemencia se retoma en el albor del nuevo milenio con Amores Perros (G. Iñárritu, 2000). Y ahí también, la vista extranjera de México, con filmes como Man on Fire (Scott, 2004), Spectre (Mendes, 2015) y la infame, Emilia Pérez (Audiard, 2024)

Quizá una de las charlas más inspiradoras fue con la entrevista que hizo Ahmed Shwaky, presidente de FIPRESCI, al crítico Richard Peña, profesor emérito de Columbia University. Peña mencionó que, si bien se enseña sobre historia y producción cinematográfica, poco se enseña sobre cómo evaluar las cintas.

Estas palabras resumen el fin de este congreso: el cine es un documento histórico y sociológico; y si no conocemos el lugar, el contexto, el ambiente y las circunstancias desde las cuales emana, no nos conocemos. La crítica es evaluación, es discernimiento, es configurar y enriquecer la memoria colectiva.

En suma, esta fue una experiencia increíble y sorprendente. Sin duda Arabia Saudita se está posicionando como un actor clave en cuanto a cultura y cine se refiere, incidiendo y alentando investigación en torno a la crítica del séptimo arte. Inspirador que, en este mundo en constante fluctuación, se invite a la reflexión.

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Mi crítica en Reforma de Wicked: Por Siempre: https://www.reforma.com/wicked-por-siempre-se-luce-ariana-grande/ar3109286

Mi crítica en Reforma de En Sueños: https://www.reforma.com/en-suenos-humor-animacion-y-un-gran-mensaje/ar3105512

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Notas sobre violencia y niñez en el cine mexicano

Creatividad, IA y autoría: el caso del doblaje en México.

Dra. Adriana Fernández Rodríguez Macedo

Esta película nos cuenta cómo Bob y Perfidia Beverly Hills, son una pareja de guerrilleros luchando por la Revolución en Estados Unidos. Pero Perfidia se embaraza, tiene una niña y súbitamente desaparece. 16 años van a pasar y la historia va a continuar.

Esta película es del famoso PTA, Paul Thomas Anderson, uno de los mejores directores del cine actual, con películas tan memorables como Magnolia o El hilo fantasma. Aquí, una vez más, aborda el tema de las complejas relaciones personales, pero involucra además temas de política, comedia y acción.

Entonces la película es muy buena porque se enfoca en problemas muy actuales como el tema de los migrantes y los extremos en la ideología política, pero cuestiones muy humanas sobre la relación padre-hija, y la necesidad de pertenecer a cualquier costo.

Las actuaciones son buenísimas: Di Caprio ha aprendido que sus mejores papeles son cuando se ríe de sí mismo, Del Toro es el sensei perfecto y Penn, está de nominación al Óscar.

PTA es un director que no tiene muchas películas, tan sólo nueve, contando ésta. Pero cada una de ellas es especial y creo que Una batalla tras otra, entra dentro de mis favoritas. Tiene algunas de las secuencias de cine más memorables que he visto y mucho star power. Visionado obligado para el fin de semana.

Dirige: Paul Thomas Anderson

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Mi crítica de A través del fuego en Reforma: https://www.reforma.com/a-traves-del-fuego-pura-accion/ar3082085

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Notas sobre violencia y niñez en el cine mexicano

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El artículo de Isabel Lincoln-Strange, Repensar el aprendizaje de la memoria a partir del cine. De lareflexión teórica al análisis del film Interstellar, ofrece una reflexión profunda sobre el potencial pedagógico del cine como dispositivo para el aprendizaje de la memoria. A partir de un sólido marco teórico que incorpora las propuestas de Iuri Lotman, Tzvetan Todorov, Terry Eagleton y Robert A. Rosenstone, la autora plantea que los filmes no solo comunican narrativas ficcionales, sino que funcionan como textos ideológicos e históricos capaces de configurar discursos sobre el pasado y el porvenir. En este sentido, el cine se presenta como un espacio de diálogo entre la cultura, la educación y la conciencia social.

Mediante un análisis riguroso del filme Interstellar (Christopher Nolan, 2014), el texto muestra cómo la memoria puede abordarse desde múltiples planos: como resistencia ante el olvido, como elemento formativo para las nuevas generaciones y como herramienta ética para comprender las consecuencias de los actos humanos. El filme, interpretado aquí como un relato cargado de densidad simbólica, se convierte en una plataforma desde la cual cuestionar los relatos oficiales, advertir sobre la manipulación de la historia y reconocer la importancia de conservar una memoria activa, crítica y comprometida.

El trabajo no solo se distingue por su claridad analítica y su solidez conceptual, sino también por su capacidad para articular teoría y práctica, pensamiento y experiencia audiovisual. Es una lectura imprescindible para quienes se interesan en la relación entre cine, ideología, historia y educación, y una invitación a repensar el rol del cine como generador de conciencia y memoria en un mundo saturado de imágenes, pero hambriento de significado.

Lee el artículo completo en el siguiente vínculo:

https://revistas.anahuac.mx/index.php/sintaxis/article/view/292/542

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Creatividad, IA y autoría: el caso del doblaje en México.

Para hablar sobre diseño de un futuro mejor, comparto mi crítica de la cinta Tomorrowland(Bird, 2015), que hace 10 años publiqué en Reforma y que se puede ver en la plataforma de Disney+:

Aunque ustedes no lo crean, existió una época en el cine en que el futuro de la humanidad, se retrataba como una promesa: todo eran naves espaciales, adelantos modernos y optimismo. Nada de apocalipsis, guerras y pesimismo.

Hay una cinta que busca trasminar esa anticuada confianza de nueva cuenta: Tomorrowland

Casey Newton (Britt Robertson) no es una adolescente común y corriente. Todas las noches viaja en su moto para sabotear las grúas que buscan demoler la abandonada estación de la NASA en Cabo Cañaveral.

Y es que mientras no acaben con la estación, el papá de Casey (Tim McGraw) un ingeniero de la NASA, continuará con chamba. Pero pronto, la chica descubrirá que un mundo alterno, la espera.

El segundo largometraje no animado de Brad Bird (Ratatouille), es tan emocionante como inteligente: un blockbuster que no sacrifica el fondo por la forma.

Y es que si bien la cinta no escatima en efectos especiales y espectacularidad, así como en secuencias llenas de acción, el guion del director coescrito con Damon Lindelof (Lost), chorrea de ideas e ideales. Hay alimento para los ojos, pero también para la reflexión.

En la trama con toques de nostalgia, hay una idea que no es nueva, pero que cobra especial sentido: si todo lo que vemos es negativo, si creemos que es nefasto nuestro destino... ¿estaremos condenados a cumplirlo?

Esto no quiere decir que Tomorrowland sea una película azotada ni solemne, al contrario.

Los diálogos están llenos de humor y comedia física por parte de sus protagonistas: un simpático George Clooney y Britt Robertson, quien hace una magnífica heroína.

Tomorrowland es un filme que conmueve por refrescar, sin cursilería, una verdad: la humanidad avanza por los que se atreven a soñar. Ilusionados salimos de la cinta... el futuro como promesa -no sentencia- podemos lograr.

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Mi crítica en Reforma de Atrapado Robando: https://www.reforma.com/atrapado-robando-mucha-accion-y-humor/ar3062826

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Notas sobre violencia y niñez en el cine mexicano

Creatividad, IA y autoría: el caso del doblaje en México.

Por Isabel Lincoln Strange

Hace tiempo escribí un artículo en el que analicé la realidad a la que se afrontaron las salas cinematográficas y ante el crecimiento del streaming durante la pandemia de la COVID-19 (Lincoln-Strange, 2021). Cuando escribí ese artículo, tenía la confianza (la esperanza) de que los cines recuperarían su público y se abarrotarían de nuevo; que la crisis era temporal. Observaba que vivíamos un momento de quiebre histórico en la relación entre las audiencias, el cine y la tecnología, que dependía de la pandemia. Dicho artículo parte de una coyuntura excepcional, el cierre global de salas cinematográficas durante la emergencia sanitaria, para problematizar no sólo las pérdidas económicas de la industria, sino, sobre todo, la transformación de la experiencia cultural del cine como práctica social. La pandemia apareció como un catalizador que aceleró las tensiones preexistentes entre la pantalla grande y las plataformas digitales, y puso en evidencia una crisis que es profundamente simbólica y cultural.

El artículo se sustenta en un enfoque teórico apoyado en autores como Gilles Lipovetsky, Carlos Scolari, Pierre Sorlin y Umberto Eco, en la medida que considero importante estudiar el auge del streaming como parte de un proceso de hipermedialización del consumo audiovisual. Asimismo, recupero la noción de hipermodernidad para explicar cómo el encierro intensificó prácticas ya normalizadas: la multiplicación de pantallas, la personalización del consumo y el desplazamiento del ritual colectivo del cine hacia el espacio doméstico. En este contexto, plataformas como Netflix, Amazon Prime o Disney+ no sólo incrementaron suscriptores, sino que se consolidaron como un ejemplo de un modelo cultural que manifiesta una nueva relación entre el entretenimiento, el tecnología y la vida cotidiana, que ya habían anticipado Lipovetsky (2011) y Scolari (2008).

No obstante, el cine es una experiencia cultural irreductible a la lógica del consumo individual. Sorlin subrayaba que asistir —o no asistir— al cine implica una toma de posición simbólica frente a la cultura, y que la sala cinematográfica constituye un espacio de socialización, memoria y aprendizaje colectivo. Frente a ello, el streaming aparece como una solución eficaz en tiempos de crisis, pero también como un modelo que tensiona la dimensión ritual y comunitaria del cine, desplazándola hacia una experiencia fragmentada, privada y mediada por algoritmos.

Considero esencial que reflexionemos sobre el futuro del cine como una forma de arte que vive en la incertidumbre. Si bien el streaming se consolidó durante la pandemia como una alternativa dominante, sostengo que la experiencia cinematográfica no puede comprenderse únicamente desde la lógica tecnológica o económica. Más bien, nos encontramos ante un momento de reflexión sobre cómo habitamos las imágenes, cómo construimos comunidad a través de ellas y qué lugar ocupa el cine (como arte y como rito social) en una cultura marcada por la hiperconectividad y la fragilidad de lo colectivo.

Referencias

Lipovetsky, G. (2011). El occidente globalizado. Un debate sobre la cultura planetaria. Anagrama.

Scolari, C. (2008). Hipermediaciones. Elementos para una teoría de la comunicación digital interactiva. Gedisa.

Sorlin, P. (1985). Sociología del cine. La apertura para la historia de mañana. Fondo de Cultura Económica.

Lincoln-Strange, I. (2020). La incertidumbre de las salas cinematográficas y el crecimiento del streaming ante la pandemia de la COVID-19. Sintaxis, número especial COVID-19. https://doi.org/10.36105/stx.2020edespcovid-19.08

La polémica de la feminidad sureña y la esclavitud en Gone With The Wind

Dra. Adriana Fernández Rodríguez Macedo

El cine es, en sí mismo, innovación: un medio que cambió al mundo. Así que no podemos hablar del séptimo arte, sin mencionar a uno de sus creadores: Thomas Alva Edison, quien fue uno de los más grandes inventores de la historia.

Y justamente hay una película que relata el enfrentamiento que vivió dicho inventor y magnate contra otro, igualmente poderoso: George Westinghouse, en la pelea por dominar la industria eléctrica.

Ésta es la principal premisa de Una guerra brillante (Gómez-Rejón, 2017), que nos lleva a fines del siglo XIX, al ring de la lucha por la invención. En una esquina está Edison, brillantemente interpretado por Benedict Cumberbatch quien aglutina cada hilo (o deberíamos decir, ¿alambre?) de este complejo personaje: creador, ambicioso y petulante.

Edison encarna el sueño americano: inventiva de la mano de una poderosísima visión de negocios. No da paso sin huarache. Su ambición sin cortapisas lo hace aparecer, a ratos, tosco.

En la otra esquina, el amable, moderado, pero igualmente tenaz, George Westinghouse, interpretado por Michael Shannon. Él representa el dinero antiguo, las familias de abolengo, la prudencia ante la audacia casi vulgar e ínfulas de nuevo rico, de Edison.

Como tercero a colación, el genio incomprendido y pobre: Nikola Tesla a quien da vida Nicholas Hoult: inmigrante, ignorado. Curiosa su situación: es el más brillante del trío, pero no tiene la pasión ni la audacia de Edison, ni el dinero y el respaldo de Westinghouse.

El guion provee no sólo entretenimiento, sino que resulta de enorme interés: nos da un vistazo increíble en la historia de la invención humana, cuando a la vuelta de hoja de la revolución industrial, tantos descubrimientos se hicieron presentes, cambiando a la humanidad para siempre.

No sólo la electricidad: el teléfono, las medicinas, los avances en transportes. Casi salivamos pensando en esos años, la maravilla que hubiera sido presenciarlo.

Sí, sin duda, cine e innovación van de la mano. Ya no tenemos Edisons, ni Westinghouses; pero sí millonarios apostando al todo por el todo para alcanzar la inmortalidad. Sin duda la competencia alienta la innovación. Hoy se vive otro gran momento y ahí seguirá estando el cine, para retratar esta realidad.

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Mi crítica en Reforma de Echo Valley: https://www.reforma.com/echo-valley-lenta-y-con-huecos-en-el-guion/ar3020621

Mi crítica en Reforma de La muerte de un unicornio: https://www.reforma.com/la-muerte-de-un-unicornio-satira-con-un-guion-accidentado/ar3016618

Estás viendo y no ves: la gran diferencia entre economía y ecología de la atención.

Notas sobre violencia y niñez en el cine mexicano

Creatividad, IA y autoría: el caso del doblaje en México.

En torno a este tema, reproduzco mi crítica de Free Guy: Tomando el control (Levy, 2022) que escribí hace casi 4 años para Reforma:

Cuando escucha que una película trata sobre un videojuego, usted probablemente: a) La descarta de inmediato b) Sufre estrés post traumático al recordar a Detective Pikachu c) Le da flojera. Pese a ser una industria millonaria, los filmes inspirados en videojuegos, rara vez son afortunados.

Una película podría cambiar su percepción: Free Guy: Tomando el Control.

Guy (Ryan Reynolds) tiene siempre la misma rutina: se levanta, saluda a su pez, se pone el uniforme y atiende en el banco. Es amigable, pese a estar rodeado de caos: explosiones, balazos, asaltos. Guy vive en un círculo continuo. Pronto encontrará una salida.

Esta cinta sorprende al relucir un guion que, si bien toma mucho prestado de El show de Truman, Matrix y Ready Player One, logra brindar una historia ingeniosa, que vincula perfectamente el universo dentro y fuera de la pantalla del gamer.

Así pues, los conocedores se deleitarán con una recreación perfecta del mundo del videojuego: los premios, las armas, los avatares; pero también, los neófitos en estos menesteres, nos divertiremos con el slang que usan estos deportistas digitales.

Hay mucha información sobre la comunidad que a esto se dedica, así como los influencers, los creativos y empresarios. Un chapuzón de pixeles, tan ilustrativo como ameno, que no sacrifica la acción por los datos.

El reparto es sólido: Reynolds tiene sus mejores papeles cuando se ríe de si mismo, Jodie Comer es una aguerrida Millie, Taika Waititi hace a un Antwan flamboyante y exagerado.

Si a esto le agregamos sorpresas de la cultura pop insertas en la trama, una gran producción y diálogos que nos sacan carcajadas, esta película sobre un videojuego, es un perfecto entretenimiento veraniego.

Free Guy se puede ver en Disney+

Mi crítica en Reforma de La Voz de Hind Rajab: https://www.reforma.com/la-voz-de-hind-rajab-docudrama-actual/ar3151247

Mi crítica en Reforma de ARCO: https://www.reforma.com/arco-animacion-clasica-y-con-un-buen-mensaje/ar3146600

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El Festival de Cine de Sundance: el banderazo de los festivales cinematográficos

Participación en Arabia Saudita

Isabel Lincoln Strange

La niñez ha ocupado un lugar central en el cine mexicano, no sólo como motivo narrativo, sino como espacio de reflexión social. Los olvidados (1950), de Luis Buñuel, se erige como una de las obras más influyentes en la proyección internacional de esta temática. Reconocida como patrimonio cultural por la UNESCO (Cultura UNAM, 2023), la película retrata la vida de niños que sobreviven en condiciones de pobreza extrema en un entorno marcado por la violencia estructural. En este contexto, las instituciones del Estado aparecen rebasadas, incapaces de responder a una problemática que excede el ámbito jurídico y se inscribe en desigualdades históricas. La crudeza de esta representación encuentra eco en la realidad contemporánea: de acuerdo con la Organización Mundial de la Salud, en México una proporción significativa de niñas y niños continúa expuesta a distintas formas de violencia en el ámbito doméstico (OMS, 2024).

La cultura y los medios de comunicación configuran narrativas, imaginarios y formas de representación en torno a la niñez. En este sentido, el cine ha desempeñado un papel decisivo en la producción de sentidos sobre la misma; lejos de ser un reflejo neutral, las imágenes cinematográficas han contribuido a fijar, cuestionar o transformar las formas en que comprendemos a las infancias, sus derechos y sus condiciones de vida. El cine es un dispositivo que organiza significados que se relacionan con su contexto histórico y social. En este caso, en el cine mexicano de los años 50, 60 y 70, exponían figuras infantiles que oscilaban entre lo idealizado, como niños en relatos de fantasía o moralizantes, y lo siniestro o marginal. Esta heterogeneidad subraya la idea de que la niñez no es una categoría homogénea, sino un campo de disputa simbólica donde convergen valores, miedos y aspiraciones sociales.

Pensar la relación entre niñez y comunicación implica, entonces, reconocer el poder de las imágenes en la construcción de lo social. El cine no sólo cuenta historias sobre niños, sino que configura la definición de qué significa ser niño en un momento histórico determinado. Esto permite comprender cómo se representan la infancia y la niñez y de qué manera el cine ha servido como una vía para cuestionar las condiciones materiales y simbólicas en las que se desarrollan.

En Los olvidados, Buñuel no se limita a hacer una denuncia social directa, sino que articula una poética de la incomodidad que desestabiliza al espectador. A través de recursos estéticos como la fragmentación narrativa, la ambigüedad moral de sus personajes y la irrupción de elementos oníricos, el filme construye una imagen de la infancia que rompe con las representaciones idealizadas propias del cine de su época. Los personajes del filme no encarnan la inocencia, sino que son sujetos atravesados por la violencia de su entorno, capaces tanto de ejercerla como de padecerla. De este modo, Buñuel configura una mirada crítica que no busca consolar, sino confrontar: la infancia aparece como un territorio en disputa, donde se evidencian las fracturas sociales y las limitaciones de los discursos institucionales sobre protección y justicia.

Referencias

Lincoln-Strange, I. (2018). Los olvidados(1950): la infancia perdida a través del ojo de Luis Buñuel. En Zamorano, A. y Ortega, A. La niñez en el cine mexicano. Comunicación UP.

Buñuel, L. (1950). Los olvidades[película cinematográfica]. Ultramar Films.

Organización Mundial de la Salud (OMS). (2024). Maltrato infantil. https://www.who.int/es/news-room/fact-sheets/detail/child-maltreatment

La incertidumbre del cine tradicional en el contexto de lo digital

La polémica de la feminidad sureña y la esclavitud en Gone With The Wind

La Dra. Adriana Fernández Rodríguez Macedo, coordinadora de la Maestría en Dirección de Empresas Transmediáticas y de Entretenimiento de la Universidad Anáhuac, acudió en su calidad de académica, crítica de cine y votante de los premios Globos de Oro, al 50º Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF). Dicho festival es clave para la carrera hacia los premios de la industria cinematográfica.

El TIFF es importante por su gran tamaño: las diferentes salas de exhibición -desde elegantes teatros hasta los multicinemas- permiten varias premieres en simultáneo, y una programación abundantísima. El ambiente festivalero permea las calles de la ciudad.

Eso hace especial a Toronto: no sólo reúne a prensa e industria, sino que suma a quienes va dirigido este entretenimiento: el público. Es cierto que, en Venecia y Cannes, también hay funciones públicas; pero son sumamente difíciles de acceder. Es un ambiente mucho más cerrado y snob.

Por eso los principales premios del festival no los otorga un jurado, sino el público. A The People’s Choice Award -que este año se lo llevó Hamnet, de Chloe Zhao- se suma un nuevo galardón: The International People’s Choice Award; un claro indicativo de una creciente internacionalización en el gusto cinéfilo. Este 2025 lo ganó No Other Choice de Park Chan-Wook. Ambas cintas seguramente estarán en la lista corta para llevarse un premio Óscar.

La Dra. Fernández vio un aproximado de 25 películas, siendo sus favoritas Sentimental Value de Joachim Trier -un relato que combina la filmación de una película con las complejas madejas familiares- la ganadora en Cannes, It Was Just An Accident, de Jafar Panahi -un sagaz y tragicómico estudio de la naturaleza humana- y Wake Up, Dead Man, de la saga Knives Out de Rian Johnson, divertida, hilarante y con actuaciones de campeonato.

La ganadora Hamnet, un relato sobre pérdida y dolor ambientada en el siglo XVI, interpretada por Jessie Buckley y Paul Mescal, conmovió a la audiencia.

Durante su estancia en Toronto, la Dra. Fernández pudo conversar con algunos artistas sobre sus cintas, entre ellos Miles Teller, America Ferrera, Ethan Hawke, Paul Mescal y Andrew C. Scott. También charló con el director del festival, Cameron Bailey, en cuyas manos hay una labor titánica.

En suma, una experiencia sumamente exitosa y productiva, que logra presencia y alianzas estratégicas. La Maestría en Dirección de Empresas Transmediáticas y de Entretenimiento, continúa posicionándose como un programa de excelencia en foros internacionales del más alto nivel.

Escritorito Contest: el talento universitario toma el escenario

Café IA: Diálogos de innovación

Carlos Orellana, Director General de Merz Aesthetics México, impartió conferencia magistral en el OPEN de Posgrados de la Facultad de Comunicación

Ya hemos hablado de la importancia de los festivales cinematográficos en la temporada de premios de la industria, y al estar este periodo a la vuelta de la esquina, no podemos dejar de hablar de Sundance, evento con el que arranca la temporada festivalera.

Este 2025, hay varias cintas estrenadas en este festival que fundara Robert Redford, que empiezan a posicionarse en la contienda, como acabamos de comprobar con recientes nominaciones a las ceremonias de premios.

Dentro de las que más llaman la atención son If I Had Legs I’d Kick You (Bronstein, 2025), por estrenarse en México. Nos cuenta la historia de una madre terapeuta al borde de sus posibilidades por tener que lidiar con su pequeña hija, quien tiene necesidades especiales, amén de mil otros retos personales y profesionales.

En esta cinta, la actriz Rose Byrne tiene una interpretación tan natural como honesta, sobre un mundo que empieza a colapsar literal y figurativamente. Byrne logra que empaticemos con ella, pues nos muestra las expectativas a las que se enfrentan las madres trabajadoras: deben ser perfectas profesionistas, pero, sobre todo, impolutas madres y esposas. Misión imposible.

Este filme tragicómico maneja la narrativa con distintos tenores que van desde el urgente, hasta el melancólico y patético. Además, la forma en la que nos muestra u ocultan a los personajes, la da un toque de intriga que perdura hasta el final y que funciona en mantenernos enganchados.

Otros filmes que han cosechado nominaciones son Train Dreams (Bentley, 2025), pequeña joyita cinematográfica sobre la vida de un hombre en el Noroeste estadounidense a principios del siglo XX. El personaje principal es actuado magistralmente por Joel Edgerton y nos embosca emocionalmente hacia el final, con una reflexión muy sencilla pero poderosa: la clave de la historia. Train Dreams tiene dos nominaciones en los Golden Globes: Mejor Actor y Mejor Película de Drama.

También sobresale el filme Sorry, Baby, de Eva Victor (2025) quien cuenta la historia de una joven académica con un episodio traumático en su vida, que cambió su percepción del mundo y de las relaciones románticas. Todo, aderezado con un poco de comedia y teniendo como fondo un estado de Maine invernal, en tonos azules y marrones.

Así pues, Sundance reafirma ser uno de los festivales punteros para la temporada de premios. En el 2026, estaremos atentos.

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Mi crítica en Reforma de Wake Up Dead Man, un Misterio de Knives Out:

Mi crítica en Reforma de Bugonia

Participación en Arabia Saudita

Las tortugas también vuelan es una película que se estrenó en el 2004, escrita y dirigida por Bahman Ghobadi. Sus imágenes presentan parte de la vida en un campo de refugiados del Kurdistán iraquí, en la frontera entre Irán y Turquía, hacia el año 2003, antes de la invasión a Irak por parte de la coalición de países liderados por Estados Unidos. En los campamentos improvisados, los damnificados buscan recursos para hacerse de una antena parabólica lo suficientemente potente para poder conocer las noticias internacionales sobre la guerra que se aproxima. Niños desplazados, huérfanos, mutilados y sin recursos materiales desentierran minas antipersonales que luego venden en el mercado negro para sobrevivir, exponiendo sus vidas sin ningún equipo de seguridad ni adiestramiento.

La cinta es peculiar, porque no se trata de una ficción de denuncia ni de un registro documental; va incluso más allá de buscar la sensibilización de las audiencias sobre los crímenes de guerra. Cuando uno se entera de que los niños protagonistas son reales víctimas de guerra, cuando un niño retrata su propia situación, entonces acontece algo distinto: la película se convierte en un llamado, en voz de los niños que demandan justicia al mundo.

Hacia el año 2008, comenté esta película con mi tutora y directora de tesis en filosofía, la Dra. Ana María Martínez de la Escalera, mientras nos dirigíamos en su auto rumbo a una librería de Coyoacán. Ella me dio una explicación: la película es un ejercicio de justicia, da voz a quien no la tiene, los niños cuentan su propia historia sin ficción. Se trata de lo que Walter Benjamin denomina tradición de los oprimidos.

En mi memoria se encadenaron algunas ideas sueltas, como el valor de la vida nulificado por el poder. Al extinguirse los recursos económicos, sociales y políticos, el poder denegó lo humano. En ese campo de refugiados, las fuerzas políticas desembocaron en la más negativa paradoja, la vida trastocada por la guerra tiene el coraje para sobrevivir aun a costa de morir. Acontecimiento trágico: un niño que ha perdido las extremidades superiores arriesga su vida y saca con la boca una mina del suelo. Por aquel entonces me pregunté: ¿Cómo es que el poder puede denegar el valor de la vida en los sujetos?

Referencias,

Del Prado, R. (2016). Políticas para la justicia y la comunicación. Más allá del pragmatismo, México: Limusa / Universidad Anáhuac México, p. 11

Sánchez-Paredes (2019). Ética de la Comunicación. Sintaxis

Núm. 3 (2019): Sintaxis. Revista científica del Centro de Investigación para la Comunicación Aplicada, Año I, Núm. 3, julio-diciembre 2019

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